Культурный круг Зураба Нанобашвили

Ростов-на-Дону, 30 мая 2019. DON24. Режиссер, лауреат международных и российских театральных фестивалей и конкурсов, заслуженный артист России Зураб Нанобашвили отметит 2 июня свое 50-летие.

Культурная жизнь в провинции не менее яркая и насыщенная, чем в столице. Это чаще всего та самая национальная, с богатыми традициями и долгой историей культура, которая не является сегодня трендом и даже презирается, как косное, мертвое, никому не нужное прошлое. Пробиться в «модную тусовку» представители провинциальной культуры могут с большим трудом. Поэтому их творческая жизнь широко не освещается, разве что вокруг персоны разгорится какой-нибудь скандал – тогда имя мусолится прессой, полощется во всевозможных «стирках», пока на первый план не выйдет другой герой. А время тем не менее бежит вперед, и человек продолжает делать свое дело, придумывать новые творческие проекты, просто жить.

Зураб Нанобашвили на 17 лет задержался в Вологде, хотя северный город мало подходил к его темпераменту и образу жизни. Он руководил Вологодским драматическим театром, ставил спектакли во многих городах России и за рубежом.  Особая страница его биографии связана с югом. Во времена его работы в Краснодаре над несколькими постановками в родном театре ходили упорные слухи, что режиссер покинет Вологду ради Краснодарского академического театра. Но Зураб Нанобашвили всегда возвращался к своим артистам и называл Вологодский драматический домом. 

Завершение вологодского творческого этапа совпало с постановкой «Вишневого сада» в Таганроге, в театре им. А.П. Чехова. Этот спектакль открывал Международный театральный фестиваль «На родине А.П. Чехова» в сентябре 2018 года. Уже в июне 2019 года вслед за чеховскими героями Зураб Нанобашвили мог сказать: «Прощай, дом! Прощай, старая жизнь! Здравствуй, новая жизнь!..» И следующий этап творческой жизни оказался во многом связан именно с чеховским городом.

Кроме «Вишневого сада», он поставил в Таганрогском драматическом театре спектакль «Метод» и акунинскую «Чайку», а сейчас Зураб Нанобашвили работает над новым театральным проектом в рамках фестиваля «Оборона Таганрога 1855 года». О его постановках, представленных на разных театральных фестивалях, международных смотрах, писали многие критики и театроведы, отмечая особую стилистику, тонкое понимание русской классики, бережное обращение с произведениями мировой литературы. Если обобщить отзывы о его работах, то можно сформулировать концепцию его творчества: Зураб Нанобашвили – один из редких режиссеров, соединяющих в своем творчестве лучшие традиции русского классического театра и современный театральный язык, обладающий чувством меры и хорошим вкусом. В своих спектаклях он поднимает библейские вопросы: что такое любовь? Что разрушает семью? Какова цена предательства? Как искупить грех? В каждой постановке – разговор с Богом. Материалами к его творческому исследованию становятся пьесы из сокровищницы мировой драматургии, тексты, проверенные временем, или качественные современные произведения. Но независимо от того, берет ли он в работу пьесу Шекспира или текст молодого драматурга, режиссер очень глубоко погружается в историю, стремится увидеть художественный мир автора максимально ясно, понять мотивацию каждого героя, добиться бытовой и психологической достоверности. И только отыскав ключ к произведению, режиссер Зураб Нанобашвили начинает создавать свой собственный мир – художественный мир спектакля.

Как настоящий творец, Нанобашвили с самого начала видит замысел спектакля целиком – от распределения ролей до последней пуговицы на костюме эпизодического персонажа. Приглашенный художник-постановщик – всегда соавтор, воплощающий в декорации ту идею, которая уже обрисована режиссером. Исключения лишь подтверждают правило: пожалуй, только в работе над «Ханумой» со Степаном Зограбяном режиссер доверился художнику, предложившему оригинальное оформление сцены. Яркие, изящные спектакли получались у Зураба Нанобашвили с художником Любовью Шевцовой; сложные, символические – с Анастасией Паутовой.  В спектаклях, созданных вместе с Татьяной Стысиной, – стильно одетые персонажи на фоне лаконичной декорации. Елена Сенатова, с которой часто работает Зураб Нанобашвили, – художник-единомышленник: она доверяет фантазии режиссера и своей интуиции. Результаты их совместной работы не раз отмечались фестивальными наградами и государственным премиями.

С Еленой Сенатовой был создан спектакль «Вишневый сад» в Таганрогском драматическом театре имени А.П. Чехова. Черно-белый мир «нелюбви», где вишневый сад нематериален и существует где-то за пределами сцены, а вернее в мыслях, воспоминаниях и чувствах героев, мир одиночества, всеобщей глухоты, где бесплодная рефлексия – главный принцип существования. Театровед, театральный критик Лана Гарон так описала художественный стиль спектакля: «Черное на светлом фоне. Так в спектакле возникает графичность. Скупая, сдержанная, как карандашный рисунок. Стиль – очень соответствующий чеховскому письму, лаконичному, строгому и даже жесткому». В спектакле по пьесе Бориса Акунина «Чайка», премьера которого состоялась на сцене Таганрогского драматического театра в конце марта, Зураб Нанобашвили выступил автором декорации – черный кабинет, сталь, стекло, хирургическая лампа, мертвенный свет, чучела животных. Анатомический театр, но здесь препарируют человеческие души, вскрывают и вытаскивают на всеобщее обозрение зависть, злобу, ненависть, равнодушие. И снова на сцене графика, черно-белая гамма – уж не грузинские ли культурные корни проявляются в этом стремлении к лаконизму цветового решения, к монохромности образов?  Прямые линии, симметрия, разбивает которую броуновское движение героев. В «Чайке» режиссер расставлял акценты так, чтобы внимание не рассеивалось, фокусировалось на актерах. 

Впрочем, фокус на артиста – это принцип театра Нанобашвили. Режиссер умеет настолько четко выстроить роль, что не возникает сомнения в безусловном таланте исполнителя. Для Зураба Нанобашвили нет большей ценности в театре, чем артист. Но и подчинения он требует полного. Конечно, не только от артистов – от всех театральных цехов и служб, поэтому обычно к переносу репетиций на сцену готовы и черновые декорации, и костюмы. Актеры же должны безоговорочно доверять и слушать указания режиссера, который за всякую актерскую неудачу возьмет ответственность на себя.  Нет, театр Зураба Нанобашвили не «актерский театр», если определять этот термин как пресловутую свободу самовыражения артиста. Исполнитель не свободен, его действия предопределены режиссером, рисунок роли строг, а домашние заготовки не приветствуются.

При этом задача постановщика – сделать артиста творящим и понимающим,  вложить в него понимание замысла, вытащить из него всё чувство, природную энергетику, раскрыть талант и предъявить публике в наиболее выгодном амплуа. И вот уже на сцене сверкает всеми гранями настоящий бриллиант, о котором восторженно пишут критики. Увы, работа режиссера редко оценивается адекватно: спектакль хорош – значит, артисты гениальны, спектакль плох – виноват режиссер. Доля правды, конечно, в этом есть: даже хорошему актеру не под силу вытащить на своих плечах плохо поставленный спектакль. Но в репертуарных театрах маленьких городов редко можно встретить артиста с крепкой театральной школой, да и опираться исключительно на заслуженных и народных – путь неправильный, и его всегда избегал Зураб Нанобашвили. В его спектаклях молодые артисты работают вместе с опытными и имеют возможность изучать ремесло, овладевать мастерством под руководством режиссера. Одно можно утверждать точно: Нанобашвили умеет работать с актерами разного уровня, готовить с ними сложные, глубокие спектакли, ценить и уважать творческие заслуги артистов. В профессиональных рецензиях и газетных заметках всегда отмечается, что раскрылись неожиданные стороны таланта, или состоялся творческий прорыв, или выбор актера на роль был очень удачным.

В одном из интервью 2018 года Зураб Нанобашвили предсказал: «Даже если перестану быть художественным руководителем, в любом случае всегда смогу вокруг себя создавать театральную среду, ставить спектакли. Главное – мировоззрение, гражданская позиция. А еще одержимость делом и вера в его необходимость». Сегодня он создает собственный проект в рамках международного военно-исторического фестиваля «Оборона Таганрога 1855 года» – театральный фестиваль под открытым небом, смотр спектаклей, созданных по военно-историческим пьесам. Безусловно, создает не один, а при участии неравнодушных, умных, талантливых, деятельных, творческих и целеустремленных людей. Проект поддерживают автор и организатор фестиваля «Оборона Таганрога 1855 года», депутат городской Думы Таганрога, директор ГК «Советник», гендиректор фонда «Возрождение Таганрога» Елена Сирота и соорганизатор фестиваля, ответственный за морскую часть реконструкции, депутат городской Думы Таганрога, гендиректор ООО «Полимерпром» Геннадий Бородин. Организовав первую научно-практическую конференцию «Историко-патриотическое наследие России в современном русском театре», Зураб Нанобашвили привлек к реализации проекта профессионалов театра, которые щедро поделились своими идеями. Вот он, культурный и интеллектуальный круг выступающих на конференции:  арт-критик, доктор филологических наук, автор девяти книг и сотен статей об актуальных культурных процессах, руководитель проекта-лаборатории «История.doc» Капитолина Кокшенева (Москва); театровед Вера Ильяшенко (Воронеж); театральный критик, старший преподаватель кафедры русского театра РГИСИ (Российского государственного института сценических искусств) Татьяна Ткач (Санкт-Петербург); культуролог, историк религии, главный редактор журнала «Наука и религия» Сергей Антоненко (Москва). Благодаря участию таких сильных экспертов театра и их блестящим инновационным идеям проект расширяется и становится все более значимым и интересным. Никто из участников конференции не сомневается в уникальности этого проекта на культурных просторах России.

Очередной жизненный рубеж Зураб Нанобашвили встречает полным сил, новых идей, а главное, пребывающим в диалоге с единомышленниками и партнерами. Ведь творческий лидер всегда притягивает к себе независимых коллег по цеху, с которыми можно идти к самым серьезным целям. Историческую дорогу осилит идущий – Зураб Нанобашвили не боится нового пути.

Комментировать

Редакция вправе отклонить ваш комментарий, если он содержит ссылки на другие ресурсы, нецензурную брань, оскорбления, угрозы, дискриминирует человека или группу людей по любому признаку, призывает к незаконным действиям или нарушает законодательство Российской Федерации
Комментарии
(1) комментариев

Два в одном, или История киножанра, который нельзя снимать неправильно

Ростовская область, 27 марта 2024. DON24.RU. Об этом жанре известный кинорежиссер и продюсер Дэмьен Шазелл писал так: «Если облажаешься, то это будет самое ужасное кино. Но если снять правильно, то это будет самый прекрасный фильм в мире». Киномюзикл – удовольствие 2 в 1: истории, и видеоряд, и великолепно исполненные музыкальные композиции, умело вплетенные в сюжет картины. О крайне интересной столетней истории киномюзикла от «Певца джаза» до «Ла-Ла Ленда» – в материале ИА «ДОН 24».

Золотой век киномюзикла: 1930-е – начало 1950-х

Изначально мюзиклы не были связаны с кино. Они зародились на сцене театра, и только после появления звукового кино в 1927 году жанр стал просачиваться на большие экраны. Первый фильм, который можно отнести к жанру, он же первый звуковой фильм вообще, вышел именно в 1927 году. Это был «Певец джаза» Алана Кросленда. Мюзиклы были призваны для того, чтобы приучать зрителя к тому, что кино перестало быть немым. Жанр успешно выполнял свое невеликое, но важнейшее призвание. Во многом по причине новизны формата первые киномюзиклы напоминали всю ту же театральную постановку, но снятую на пленку.

На дворе стоял конец 1920-х, киноделам приходилось сталкиваться со многими проблемами, вызванными несовершенством технологий. Например, актеры не могли далеко отходить от микрофона, который приходилось прятать где-то за декорациями. Исполнители ролей из-за этого топтались на месте, словно прикованные. Неудобно, но такими были реалии того времени.

«Певец джаза» задал вектор развития всему кинематографу на ближайшие годы. Успех первого звукового фильма подвигнул продюсеров вставлять песни чуть ли не в каждую новую кинокартину, однако далеко не всегда композиции в этих фильмах помогали раскрыть сюжет или героев. Но и такие примеры есть: в «Параде любви» Эрнста Любича и «Аплодисментах» Рубена Мамуляна музыка целенаправленно использовалась как часть диалогов или внутренних размышлений персонажей. Окончательно жанр киномюзикла в индустрии прижился лишь с выходом «Огней Нью-Йорка», рекламная кампания которого проходила под слоганом «стопроцентно говорящий, стопроцентно поющий, стопроцентно танцующий». В следующие несколько лет мюзиклы активно осваивались в Голливуде, но большинство из них все еще были экранизациями самых громких театральных постановок. Но чисто кинематографические мюзиклы не заставили себя долго ждать: вскоре на больших экранах стали выходить и оригинальные картины под музыку таких великих композиторов, как Джером Керн, Сервинг Берлин, Джордж Гершвин и Коули Портер.

Появление звукового кино спровоцировало формирование системы звезд в Голливуде. Значимость актеров в рекламных кампаниях резко возросла: зрители стали ориентироваться на конкретные лица, исполнители ролей отныне не являлись пустым звуком для них. Продюсеры прозаично закрепляли актеров за конкретным амплуа, с которым им приходилось идти дальше по карьерной лестнице. Интересно, что именно звезды мюзиклов пользовались наибольшей популярностью и уважением в индустрии. Они-то и оттеснили своих коллег по немому кино, которые очень быстро становились пережитком прошлого. Очень интересно данная смена поколений изображена во французском фильме «Артист».

Главным представителем жанра этой эпохи по праву считается «Волшебник страны Оз» – абсолютный бэнгер, как зрительский, так и премиальный. Фильм, ознаменовавший эпоху и сохранившийся в истории кинематографа как вечная классика. Музыкальное сопровождение сделало «Волшебника страны Оз» одним из лучших киномюзиклов тех лет, а статуэтки «Оскар» за лучшую песню и лучший саундтрек лишь уверяют нас в этом. 

 Своей высшей точки мюзиклы достигли в 1940-е. Люди находили в этих фильмах отдушину. Погрузиться в беззаботный мир с песнями и плясками, чтобы хотя бы на время абстрагироваться от войны и фронтовых новостей, хотели многие. Это отражают и сухие цифры: в 1945 году, когда закончилась война, шесть из десяти самых кассовых фильмов являлись мюзиклами.

Стагнация: 1950-е – начало 1960-х

В 1950-х годах Голливуду предстояло столкнуться с новым соперником – телевидением. Однако проблема не была ограничена только этим фактором. Фильмы стали более печальными и реалистичными, их сюжеты затрагивали более серьезные темы, а в самом обществе происходили изменения. Мюзиклы, в свою очередь, становились памятниками прошлого.

Рост стоимости производства мюзиклов привел к тому, что руководители студии Metro-Goldwyn-Mayer перестали рисковать своими деньгами, вкладывая их в оригинальные постановки. Вместо этого они вернулись к знакомой практике экранизации успешных театральных шоу, которые уже имели успех на Бродвее в Нью-Йорке. Некоторые из таких «блокбастеров» были созданы благодаря усилиям Ричарда Роджера и Оскара Хаммерштейна: «Оклахома!» (1955), «Карусель» (1956), «Король и я» (1956) и «На золотом пляже» (1958).

Одно из значимых событий того времени – появление на сцене молодой актрисы мюзиклов Барбары Стрейзанд, которая вскоре стала очень популярной. Отличительным представителем той эпохи можно считать «Вестсайдскую историю» – современную адаптацию истории Ромео и Джульетты, разворачивающуюся в трущобах Нью-Йорка.

Экспериментализм: от 1970-х до 1990-х

В это время роль мюзиклов в кино была практически на исходе. Каждый год выходило около 10 фильмов, что существенно меньше, чем в золотую эпоху мюзиклов, когда их количество достигало 60 и более. Большинство из этих фильмов не имели особой значимости. Тем не менее и Бродвей, и кинематограф продолжали развиваться, что привело к появлению экспериментальных работ. Особенно популярными стали рок-оперы, такие как фильм «Томми» (1975) режиссера Кена Рассела – странное галлюциногенное кино с футуристическими костюмами и декорациями, в котором Элтон Джон исполняет роль волшебника Пинбола. Еще одним примером является экранизация мюзикла «Иисус Христос – суперзвезда», рассказывающая о жизни Иисуса с использованием рок-музыки Эндрю Ллойда Уэббера.

«Бриолин» с Джоном Траволтой стоит отдельного упоминания. За маской искреннего признания в любви к Америке 1950-х годов фильм изображает неоднозначную эпоху с помощью мюзикла. Это семейный фильм, в котором представлены темы подростковой беременности, курения и юных преступников.

От нулевых и позже

Начало нулевых – время, когда киномюзикл вновь начал набирать обороты. До полноценного ренессанса было еще далеко, он не настал и по сей день, однако авторы все чаще стали обращаться к жанру как способу рассказать свою историю. Так, в 2002-м Роб Маршалл со своим «Чикаго» катком проехался по «Оскару», забрав целых шесть статуэток, в том числе за лучший фильм. Фильм также имел большой кассовый успех, так что не исключено, что история про соперничество Рокси Харт и Велмы Келли стала звоночком для всей индустрии, извещающим о том, что зритель вновь готов к пению и танцам на экране.

Хорошие мюзиклы стали посещать нас чаще. Но жанр все еще рассматривался как экспериментальный. Причем эксперименты эти касались не только творческой части, но и технической. За примером далеко ходить не надо: «Отверженные», Том Хуппер, первое соло Вальжана. Его монолог был снят с использованием стедикама –  системы стабилизации камеры, которую носит оператор. Это позволило Хью Джекману двигаться максимально свободно, так, как он считает нужным, чтобы передать все эмоции этой сцены.

Настоящим хитом стал второй фильм Дэмьена Шазелла под названием «Ла-Ла Ленд». Тогда, в 2016 году, фильм с Эммой Стоун и Райаном Гослингом в главных ролях покорил едва ли не каждого романтика своей чарующей атмосферой и магнетической историей любви двух творцов. Эмма и Райан ни разу не профессиональные певцы  и даже не танцоры. Однако, как верно утверждают критики, обаяние и химия между этими двумя оказались гораздо важнее. Интересно, что последний мюзикл категории A, то есть безоговорочно крупный жанровый фильм, который действительно охватил максимально широкую аудиторию, скорее мог бы прижиться в те самые 1930-е годы. Тема джаза, классический сюжет, который, конечно, нельзя считать чем-то принципиально новым, а также снятые с любовью музыкальные номера – все это словно перетекло к нам из золотого века киномюзикла. Получается, круг замкнулся? Отнюдь. «Ла-Ла Ленд» удачно сочетал в себе все самое лучшее, что было наработано жанром за его столетнюю историю, со свежим взглядом Шазелла. Удачная классическая история, рассказанная понятно, а главное, интересно для нового поколения зрителей. Хоть это и выглядит как формула успеха, все же стоит понимать, что все не так просто: талантливые авторы, которые могли бы встряхнуть жанр, на голливудских дорожках не валяются. Мюзикл все еще остается сложным для реализации жанром, браться за который решаются лишь смельчаки. Репутация киномюзикла в массах также не способствует его развитию: среди заядлых кинолюбителей еще можно отыскать тех, кто с уверенностью заявит о своей любви к пению и хореографии. Рядовой же зритель, услышав предложение посмотреть мюзикл, как правило, воспринимает эту идею с долей скептицизма. В лучшем случае. В худшем – открестится от этого на корню.

Наша команда не рассчитывает на то, чтобы изменить положение дел этим материалом. Мы лишь скромно предлагаем вам ознакомиться с нашей подборкой лучших и интереснейших киномюзиклов последних 30 лет. Не исключено, что несколько фильмов смогут заинтересовать вас. В таком случае мы надеемся, что их просмотр станет для вас приятным времяпрепровождением.

В формате лонгрида читайте текст тут.

 Владислав Фатхуллов, Полина Едрышова  ИА «ДОН 24»